La Producción del Experimental: (I+D+ i de la producción cinematográfica en España)

En un momento en el que el sistema de subvenciones del Cine Español está colapsado por agotamiento, en un momento en el que se recorta sin prever como quedarán las costuras, (dícese de la falta de una ley de incentivos fiscales que haga atractiva a la empresa  privada invertir en el audiovisual español).  El sistema de producción del cine independiente y en este caso del Cine experimental se yergue potente como una herramienta para no caer en la parálisis del cine en este país.

Aviso:  Seguimos produciendo como lo hemos hecho siempre, sin coberturas estatales, sin apoyos institucionales, con una distribución alternativa, siempre buscando nuevas maneras de explotación, pero esta vez sin complejos y convirtiéndonos en un polo de atracción para todo aquél, que por encima de todo se aleja de los suaves y cómodos almidones de la subvenciones  ya dadas por perdidas y que tras mil reformas se convirtió en sistema perverso, no subvencionando lo que debería ser subvencionable si no solo a lo que era viable y alejando de esta manera a la inversión privada de la industria cinematográfica de nuestro país… 

Proyección de producción experimental en "La Neomudeja de Atocha"

No confundir cine experimental con independiente, ya que un proyecto independiente no tiene porqué ser experimental, sobre todo si definimos el término experimental como el que profundiza en la investigación narrativa. Si podemos definir al cine independiente como experimental (alternativo) por su producción, su distribución o su explotación, y alternativo no debemos comprenderlo tampoco como pobre o amateur, si no como eso, como la búsqueda de una alternativa a los circuitos convencionales que ahora, por desgracia, se nos hace obligatoria, ese es el I+D en que debemos centrarnos.

¿Y cómo se consigue que la producción del experimental, del videoarte, o del cine independiente se convierta en una alternativa viable?

-Con el proyecto, teniendo muy en cuenta la sensibilidad del creador, no intentando supeditar su objetivo creativo a objetivos comerciales, ese es realmente el gran capital del cine experimental y una vez teniendo claro esto avanzando en conseguir el objetivo con acuerdos, intercambios, permutas y todas aquellas opciones que nos hagan conseguir lo que necesitamos.

-Con el equipo, haciéndole partícipe de un proyecto artístico que les haga crecer y le suponga  un reto creativo.

-Con los proveedores, nunca engañándoles y haciéndoles saber con quien y como están colaborando, y siempre intentado cubrir costes y tener la seria intención de hacerlo lo más rentable posible.

-Con los partners o inversores, haciéndoles partícipes también del proyecto y pegando su nombre o marca a proyectos artísticos ilusionantes y con gran valor de comunicación e influencia pública. Hay muchas empresas que están deseando colaborar con nosotros pero que no saben como hacerlo o que han tenido malas experiencias con administraciones fiscales y tributarias.

-Con las vías de distribución y explotación, encontrando, otras formas de que nuestra obras se den a conocer intentando, en todo momento, respetar la cadena de valor que ahora se nos antoja tan perdida pero que sin lugar a dudas acabaremos encontrando.

-Con el público, ofreciéndoles proyectos diferentes, nunca tomándoles el pelo con plantillas mil veces usadas y que no ofrecen nada nuevo, no ofreciéndoles mil veces la misma película con diferentes caras.

Debemos seguir presionando para reordenar el sistema de registros y subvenciones haciendo que respondan a la nueva realidad y que se conviertan en vías que posibiliten el acceso de los creadores a nuevas formas y maneras de contar las historias que nos interesa contar no la que nos obligan a fabricar.

Debemos en definitiva trabajar intensamente y empezar coser todo lo que están recortando y debemos hacerlo ya.

  

(Ángel Quirós)

Artículo publicado en la Revista (Academia) del cine español en noviembre de 2014.

http://www.academiadecine.com/descargas/publicaciones/HTML_204/index.html#/16/

A deriva da memoria *crítica experimental

En la ya XIV muestra abierta de Videoartistas Asociados que se celebró, como otras veces, en la Neomudéjar de Atocha, Patricia López , comunicóloga, creadora y componente-compañera y alma de expresión de Videoartistas Asociados  nos presentó su composición audiovisual (A deriva da memoria).

Fotograma de "A dreiva da Memoria"

Con una duración de 6´ 10” (A deriva da memoria) nos muestra una sucesión de estados vividos reflejados a través de la lente casual de la propia Patricia.

En un montaje rápido, realizado especialmente para la muestra, Patricia nos muestra una creación que bucea en el viaje interior de una parte de sus vivencias durante un paso de su vida. Es muy difícil en este análisis abstraerse de su vivencia interior y de sus sentimientos. El montaje, no sabemos si de forma intencionada o casual nos arrastra en cierta forma a esa deriva que nos anuncia su título.

La superposición de planos e imágenes convierten este colage en un tablón de intenciones sugerente, aunque a veces confuso.

Su banda sonora es recompuesta y folklo-evocativa y nos ayuda a remarcar el paralelismo que la autora establece entre dos lugares tan distantes y en el fondo tan parecidos como la nación Gallega (sitio distinto) y Rusia (el imperio eslavo), además está combinada con sonido ambiente que nos ayuda a posicionarnos en momentos y lugares vistados y reales.

Para un espectador ajeno, sin lugar a dudas, (A deriva da memoria) es una sucesión de imágenes evocadoras que nos transportan más que a un viaje iniciático a uno retrospectivo, quizás a un cambio de ecuador en la vida de la artista.

Patricia López presenta "A deriva da Memoria"

Un análisis más psicológico, más profundo quizás, nos pueda llevar a una reflexión más psicoanalítica. En la que se nos traslada a la comparación del conocimiento y el descubrimiento de un paisaje nuevo con uno muy interiorizado, al reconocimiento de unos nuevos lugares comunes. Como si aún siento la primera vez ya hubiéramos estado allí. Podríamos reconocer en (A deriva da memoria) una paradoja bajo el concepto "aldea global" en la que se ha convertido nuestro mundo, tan cercano y a la vez tan lejano y extraño, como nuestra realidad cotidiana, de la que nos empeñamos nosotros mismos en no ser protagonistas cuando no nos interesa.

No faltan tampoco las reseñas sociales y políticas que, no con descaro y cierta sorna, Patricia López nos hace llegar sin pudor.

Así pues como resultado (A deriva da memoria) nos deja muy claros ciertos mensajes y paralelismos puntuales de una forma clara pero con la cortesía de dejarnos jugar con un hiper-mensaje individual que podemos extraer cada uno de nosotros dependiendo de nuestra lectura y condición ante la obra.

 

Fotograma de "A deriva da memoria" en la Neomudéjar

La intencionalidad, si existe, en este montaje marca bastante un estado de ánimo (la deriva) a la que Patricia nos conduce.

No sabemos si Patricia López parte de una premisa clara en esta obra o si su creación es producto de un estado emocional que ha cristalizado en un estado creativo que le sirve para exteriorizar una deriva existencial,  que a tod@s nos rodea, y  que es la que le ha llevado a mostrarnos su obra entre los muros siempre verdaderos del centro de artes de vanguardia Neomudéjar de Atocha.

“Madre Quentina" Incursión en la producción del Video-arte // Entrevista a Ángel Quirós, productor.

Interpreté la producción desde el proceso organizativo del videoarte donde los procesos de producción, pero sobre todo la distribución y la difusión, son los segmentos más débiles. Me

Imagen del rodaje de "Madre Quentina"

daba la sensación que son terrenos sin explorar o mal explorados, por lo menos no muy desarrollados. Así que lo que hice y hago fue intentar aplicar fórmulas de ensayo e innovación, algo así como el I+D de una producción convencional, pero con unas pautas muy precisas: el videoarte o vídeo de creación no es un corto, ni es cine pobre ni arte en minúsculas y sobre todo debe ser exhibido en plenas

condiciones. La imagen experimental tiene su propia esencia y su dimensión y tiene algo a lo que los que también nos dedicamos a la producción convencional llamamos oxígeno, OXÍGENO en mayúsculas. Es un ejercicio de musculatura de producción en la que puedes aprovechar las propias técnicas y dinámicas de solve production en un entorno como el nuestro que, con la crisis o cambio es no solo necesario, si no indispensable, para no caer en la parálisis creativa y de producción.

José Ramón De Cruz y Ángel Quirós

Con Da Cruz llevo unos años trabajando, tengo la ventaja de saber cómo trabaja y cómo resuelve. Trabajamos con la suficiente confianza aunque la producción siempre sea un reto y un aliado. Un videoarte es como una sopa de piedra

que va exigiendo más y más y el productor debe medir y dar. Quizás sea lo más parecido a un descenso de aguas bravas en el que no puedes controlar cada uno de tus virajes pero en el que sabes que avanzas rapidísimo hacia el final mientras disfrutas a cada momento. El reto más importante era aplicar algunas técnicas de producción convencional a una video-creación. El video-artista suele ser muy independiente y en Madre Quentina contamos con un equipo muy especializado cada uno en su labor. Con- seguir coordinar a un equipo a las órdenes de un creador puro no resulta sencillo si no existe una sintonía casi absoluta por parte de todos sus componentes. Al productor le toca poner la sincronía y añadir su compromiso con la obra, un compromiso mayor: ha creído en la obra y debe llevarla a su máximo exponente de difusión.

Me parece que lo más destacable de Madre Quentina, es que en

cierta manera es un estudio de las sensaciones y reacciones básicas

que el ser tiene con su medio y -en la actualidad- con los medios que son los grandes intermediarios prefabricados de nuestra relaciones, y que en demasiadas ocasiones nos dictan lo que tenemos que sentir e incluso pensar de una forma despótica.

A Madre Quentina yo la defino no solo como una obra audiovisual sino como una estructura multimedia, no concebida exactamente para ser contemplada de una forma pasiva o lineal sino para recorrerla y es esencial que el observador esté en cierta manera iniciado e integrado en una forma de mirar la actualidad que le hará verla de una manera o de otra. Nunca me atrevería a definirlo como un videoarte o como una obra experimental sino como una estructura transversal.

Rossy de Palma en "Madre Quentina"

Madre Quentina se presentará el día 15 de Junio en la clausura del International Video Art House de Madrid 2014, en el centro de vanguardias "La Neomudejar de Atocha" C/ Antonio de Nebrija S/N.

Semio Crítica experimental “Síntesis Natura”

El visionado de “Síntesis Natura” en la XII muestra abierta de VideoArtistas Asociados  celebrada en la Neomudejar de Atocha   el pasado mes de abril supuso para el público allí presente un caudal de simbolismo y metáfora que hizo que hubiera que repetir su visionado una segunda vez.

Imagen proyectada de "Síntesis Natura"

“Síntesis Natura” ,de una duración de 3 minutos y 19 segundos, presentada por la jovencísima madrileña Salomé Caballero con guion de la propia Salomé y dirección a la limón con Florencia Martínez, se trata de una obra Hispano-Argentina con banda sonora tangeña y locución en Francés y Alemán sobre un texto que nos aporta una línea paralela a la descripción visual que se nos narra, aunando estos dos conceptos, una curiosa génesis que da pie a mil interpretaciones diferentes, lo que a priori y como base convierte esta pieza en un entretenimiento divertido y dinámico de contemplar.

Desde el punto de vista técnico es una obra con una sólida génesis,

Asistentes a la XII muestra abierta de Videoartistas

un montaje dinámico y una ponderación entre duración y carencia de planos algo acelerada pero suficiente para no pasar la barrera vertiginosa de no enterarse de nada, aunque para poder sacar más de ella hubo de proyectarse una segunda vez como ya hemos comentado antes. Quizás si su carencia de montaje interno y la relación con el texto mostrado fuera algo más relajada el torpe público virtual de la “Síntesis Natura” podría disfrutar más de unos significantes que estimulen nuestra retinas con un poquito más de persistencia.

En otra dimensión, la contemplación de “Síntesis Natura”nos puede llevar a cien conclusiones diferentes haciéndonos presuponer otras tantas premisas posibles. Y por ello podríamos definirla como una obra Freudiana o que haría las delicias de cualquier seguidor del austriaco doctor…

"Síntesis Natura"

Nos llama sobre todo la atención el uso de dos lenguas europeas Francés/Alemán y dos géneros Hombre /Mujer que podríamos suponer contrapuestos pero que en realidad son complementarios. De referencias, castrantes, sexuales, de vida/muerte/vida de génesis, de carne y pescado, de naturaleza muerta de laboratorio (cocina), de fuego, de un hombre y una mujer, de génesis nada apocalíptica. Sin lugar a dudas una reflexión omnisiciente de los tiempos en los que vivimos donde todos contemplamos una realidad de la que creemos no formar parte pero de la que si somos actores involuntarios. En ciertas ocasiones contemplamos la realidad que nos rodea a través de mil pantallas, lo que nos hace creer que estamos asistiendo a una ficción de la que somos pobres protagonistas sin darnos demasiada cuenta.Y que nos hace juzgar desaforadamente, sin empatía posible, como espectadores superiores de una realidad que no nos pertenece.

De que se trata “Síntesis Natura”?

-De una pareja haciendo el amor?

-De un baile porteño?

-De un estudio culinario?

-De un simple retrato de un bodegón costumbrista?

-De todo esto y un poco más?

Según la sinopsis que se nos hizo llegar de la obra “Síntesis Natura” es:

“Un nueva forma de contar la historia de la creación, entre el arte u la abstracción, texto e imágenes conforman una narración audiovisual orientada a la reflexión por parte del espectador. La narración fílmica que se establece, defiende un lenguaje audiovisual que se conforma en la indagación de la (creación de vida), usando la idea de tiempo y espacio de forma atemporal. Ambos conceptos se adhieren y conforman un triunfo imaginario sobre un tiempo y un espacio previo a la creación.”

Personalmente esta definición me parece relativamente pretenciosa en cuanto al formalismo ya que podemos definir la obra presentada por Salomé más como narrativa que como figurativa, ya que en su presentación, y aunque el resultado es apetecible, no encontramos ningún elemento de transgresión formal tan radical como para definirla como de arte y abstracción. Pero si como sugerente, rítmica y entretenida. Aunque también un poco acelerada y sobrecargada de conceptos.

 __________________________________________________Ángel Quirós

Salomé.

“Síntesis Natura”

Salomé Caballero

Tic. Tic. Tic. Asoma una pata a través del huevo que sigue siendo blanco.

Se asoma un ojo totalmente cegado por la cantidad de luz que desborda sus estímulos sensoriales. Está todo en silencio, parece.

El pollo no posee autocontrol, no sabe pensar en piar, no considera qué sonido va a ser el que vomite. Y de repente “pío” entre otros sonidos agudos. En cuanto empieza, no calla.

Mostrar una videocreación es una eclosión.

Como videoartista, creas un huevo que sabes que por sí mismo descubrirá la vida. Como ave reproductora, sólo te queda observar y ser capaz de anular tus estímulos sin necesidad de una luz externa. Aunque sin intención de engañar, el autor acaba siendo renacido y eclosiona del mismo modo. Te sientes pringoso y vulnerable, pero no deja de ser parte del espectáculo al que uno se enfrenta.

En mi caso, yo recogí las cáscaras que quedaron cuando todo acabó entre miradas inquietas, silencios y flashes, la verdad que me viene muy bien para el siguiente videoarte.

“El grito“ (Semio-crítica experimental)

Blubber en su presentación en la Neomudejar

El joven, dinámico y simpático colectivo Blubber presenta en la XI abierta de Videoartistas Asociados   “El Grito” , reflexión sobre nuestra relación con el medio ambiente muy pegada al lenguaje publicitario que centra la actividad y sustento habitual de los cuatro, integrantes del colectivo, en esta ocasión solo nos acompañaron tres de los cuatro.

Según mi traductor de consulta “Blubber “ significa en inglés “llanto”  pero quizás esta anotación no es demasiado relevante para esta crítica, aunque resulta curioso que el colectivo “llanto” nos presente una pieza llamada “El Grito” quizás estamos ante un grupo de Neorrománticos o de unos iniciados existencialistas involuntarios que analizan nuestra  realidad digerida a través de los medios post-pop que inundan nuestras mentes, cada vez menos pensantes,  de clichés políticamente correctos, repetidos mil veces hasta su ridiculez o banalidad. (Pido perdón)

“El Grito” solo pretende ser según sus propias palabras en la presentación “Una pieza con tintes experimentales que merece la pena detenerse a mirar por lo que tiene de intrigante y cavernoso. Con una sucesión vertiginosa de planos y un ritmo trepidante que conecta con un mundo oscuro e inquietante, cercano al género de terror y misterio.”

Fotograma de "El Grito"

“El grito” es una pieza diseñada no necesariamente para ser mostrada en un instalación museística, si no para su muestra en la propia página web del colectivo y en su play list de vímeo .

Con un tratamiento en blanco y negro una banda sonora coherente, creciente en intensidad y que acompaña a un montaje rápido y ágil en el incremento de la intensidad y la emoción de la narrativa absolutamente lineal.  Así pues estamos ante un trabajo experimental o mejor dicho heterodoxo (hasta cierto punto) en su propuesta formal pero ortodoxa en la narrativa que bebe directamente del lenguaje publicitario y televisivo contemporáneo. Quizás hace 20 años si podríamos haber definido a “el Grito” como experimental en toda la acepción de la palabra.

Así pues más que ante una pieza experimental, desde el punto de vista figurativo, estamos ante un ejercicio. Un ejercicio de reflexión sobre una idea, la de la relación del ser humano inconsciente con su medio ambiente maltratado y un trabajo, como ellos muy bien reconocieron en su presentación, de higiene mental y desahogo de los trabajos que tradicionalmente realizan por encargo para sus circunstanciales clientes…

Así pues “El grito” es una pieza redonda, bien ejecutada y correcta que cierra perfecta y contundentemente remarcando sin ninguna duda la premisa en la que reposa el proyecto.

Si aporta algo nuevo al panorama experimental o deja a abierta la puerta para una disección más profunda al análisis teórico no lo sé. Lo que sí sé es que este colectivo, nada pretencioso y muy dinámico es una bocanada de aire fresco en cuanto a los usos y costumbres apolillados y en crisis de la producción audiovisual española y eso es bueno y aunque he mencionado la palabra llanto anteriormente, no he visto ningún tipo de lamentación en su presentación ni en sus acciones y eso también es bueno.

_______________________________________________________________________Ángel Quirós

Colectivo Blubber  http://colectivoblubber.com/

Colectivo de ideas formados por diferentes profesionales del sector. Donde entre otros trabajos relacionados con el mundo del reportaje, el diseño gráfico y la animación cuenta con piezas experimentales como “El Grito”.

Videoartistas Asociados

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